～心彩るアンサンブル～

「楽器によって異なる、さまざまな音色が重なることで生まれる感動はアンサンブルならではのものです。60〜70人のオーケストラの場合ももちろん音色の相乗効果はありますが、人数が多いほど一人一人がどんな音色を出しているのかわかりにくくなります。7人での演奏だからこそ、それぞれの音や表情を楽しんでいただけると思います」

「ピアノは7オクターブと音域が広く、オーケストラで一番低音域のコントラバスより低い音から、一番高いピッコロよりもさらに高い音が出せます。また、メロディやリズムの表現、和音（伴奏）に至るまで幅広い役割をこなすことができる楽器だと思います」

「ヴァイオリンは特にポップスでは主旋律、ボーカルのようなメロディラインを担当することが多いです。空間の振動を伝って出る柔らかい音色が特徴です」

「高音域のヴァイオリンと低音域のチェロやコントラバスの中間の音域を担うのがヴィオラで、上と下を繋げる接着剤的な役割ですね。弦楽器の中で最も人間の声に近いといわれています。」

「音の高さとしてヴァイオリンとヴィオラの下にくるのがチェロです。低音で主旋律を支えることが多いですが、演奏法によっては高い音も出せるのでメロディラインを担当することもあります」

「フルートは高音域を担当することが多いです。リードを使わないため、自分の息がダイレクトに出るのも特徴です。メロディラインを担当することもありますし、主旋律を奏でるヴァイオリンにハモりを入れるのも得意です」

「オーボエは気持ちが伝わりやすい音色が特徴です。ここぞというときの音色は効果的で、映画やドラマの切ないシーンでもよく使われています」

「今回、打楽器はグロッケンシュピールという小さな鉄琴、ウインドチャイム、タンバリンを兼ね備えたドラムセットを使用しています。楽曲の中では土台としてリズムを演奏することが多く、縁の下の力持ち的な存在ですね。効果音的な役割をすることもあります」

「『ディヴェルティメント K.136』はモーツァルトが弦楽四重奏のために作った曲ですが、今回は第一ヴァイオリンのパートをフルートで演奏しました」

「通常弦楽カルテットというと、第一ヴァイオリンと第二ヴァイオリン、ヴィオラとチェロの編成ですが、今回はフルート、ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロによるフルートと弦楽器のカルテットにしました。主旋律を全てフルートが演奏し、とても良い表情に仕上がったと思います。また、もう一つの曲『チャルダッシュ』はクラシックの中で1位2位を争う人気曲。基本的に一つの楽器で演奏する主旋律を、今回はヴァイオリンとフルートで交互に演奏し、それぞれのメロディが楽しめるようになっています。フルートは息つぎをする間が少ないので大変だったと思います」

「フルートの場合は息つぎというより、舌で発音しているので、発音が難しかったですね」

「同じメロディでもヴァイオリンとフルートだと表現の仕方が違います。ヴァイオリンだけの『チャルダッシュ』を聴いたことがある方は多いと思いますが、この編成で聴くことはなかなかないので、よりたくさんの方に楽しんでいただけると思います」

「『真田丸』は服部隆之さんが作った曲の中でもユニークなフレーズが耳に残りやすい楽曲。オーケストラをバックに一人で立って弾く、ヴァイオリンが主役の曲です。ヴァイオリンは重音といって、2つの音を同時に抑えなくてはいけなかったり、跳躍といって指のポジションを激しく移動させなくてはいけなかったり、演奏が複雑です」

「体操でいうならトリプルアクセルの後に連続スピンを決めるような、ヴァイオリンにとって難しい楽曲です。タカタカターンという独特なメロディが最初から最後までモチーフとして出てきますが、戦国時代の曲ということで、馬の蹄などを連想させて、まるで当時の様子が思い浮かぶような魅力的な楽曲でもあります」

「『やさしさに包まれたなら』は映画『魔女の宅急便』のエンドクレジットで流れる曲で、幅広い世代の方に楽しんでいただける日本のポップスとしても人気の楽曲。今回は松任谷由実さんのニュアンスとは若干変えて、2番からマーチングバンドのようなアレンジにしました。見どころは打楽器です」

「J-POPは歌詞の内容がメイン。最初から最後まで8ビートが続いたり、伴奏がワンパターンなことが多いので、途中からマーチ調になるのは面白いと思います」

「ただ、原曲は最後、口笛のような音色で終わるのでマーチのままでは作品の世界観に合いません。そこでフルートで口笛のように静かに締めくくるようアレンジしました」

「『あの夏へ』は劇中のさまざまなシーンで流れますが、特に印象的な場面といえば、主人公の千尋と両親が車に乗って奇妙なトンネルの前に到着するまでの冒頭の3分間。久石譲さんの原曲では7つ以上の楽器のオーケストラで演奏していて、トランペットが活躍していますが、今回はトランペットの代わりに、ヴァイオリンとピアノで世界観を再現しています」

「配信映像ではスモークをたいていただき、より幻想的な雰囲気で演奏できました。サビとしてメロディラインを奏でるピアノが印象的で、ヴァイオリンとピアノのアンサンブルも見どころだと思います」

「オーボエが目立つ曲は少ないのですが、『あの夏へ』の前半は見どころだと思います。オーボエは小さい音を出すのが苦手な楽器で発音の部分をミスしやすいので、緊張感と集中力を持って演奏しました。個人的には一番達成感がありましたね」

「Youtubeでは、若い方をはじめとする幅広い方々が見てくださっていることもあり、『不思議』のようなトレンドなサウンドにチャレンジさせていただきました。見どころとしては冒頭のAメロ部分、ピアノと打楽器のグロッケンシュピール（小さな鉄琴）です。その後にヴィオラが出てきて、その歌い方、奏で方がとてもいいグルーブ感を出していると思います」

「自分自身、音源を聞いて歌い方を真似して演奏しました。日本人が日本語の曲を歌うのは自然ですが、楽器でやろうとなると、やはり言葉ではない分、不自然になりがちですので。ヴィオラの音色を言葉にどれだけ近づけられるか、どれだけ楽器で自然な言葉を表現できるかを目指しています」

「オンライン配信という素晴らしい企画で演奏する機会でしたので、改めてメトロ＝電車とは何かについて考えてみたんです。電車は目的地と目的地を結ぶ中間地点的な役割であり、色々な人との人生が混ざり合う場所でもある。そして、私たち人間も今、人生の中間地点にいる。人生の先に向かう途中に、迷うこともあるかもしれないけれど、この曲を聴くことで少しでも元気になってもらえたら、という願いを込めて作りました」

「劇伴音楽の背景には作品のストーリーがあるので、聴いているみなさんも、演奏している我々もイメージを共有しやすいと思います。例えば、久石譲さんの『あの夏へ』はトンネルの中を抜けるとか、劇中で起きることへのワクワク感を共通の認識として持てるというのが魅力かなと。我々もそういう感覚を音楽で伝えたいですし、伝わった時はやりがいを感じますね」

「やはり聴いている方々にシーンや曲調を伝えやすいのが魅力です。また私自身、劇伴を演奏するのが好きで得意なのですが、クラシックともポップスとも違う、各楽器の良さが出るのではないかと思います」

「映画やアニメ、ゲームなどのこんなシーンで流れていたとか、劇伴音楽は作品の情景と繋がりやすいので、我々の演奏を聞いて、作品を見て感動したことや当時の自分自身のことを思い出してもらったり、作品の名場面を思い出してもう一回見たいと思ってもらったり。そんな魅力があると思います」

「音大に入るまでの20年間、クラシックだけを勉強してきたので、ポップスや映画音楽、アニメ音楽を知らずにいました。でも劇伴音楽を演奏するようになって、クラシックはこうとか、ジャズはこうとかいう凝り固まった認識をちょっとずつ変えていけたらいいなと思うようになりました」

「たしかにジャズはジャズ、ポップスはポップス、クラシックはクラシックの畑があり、わりと仕切られたジャンルの中で音楽をやってきましたが、最近はジャンルレス、ボーダーレスに活躍する人が増えています。何事も食わず嫌いせずに、ほかのジャンルも寛容に受け入れて咀嚼できるようにしていく。我々クラシックの人間が他のジャンルで活躍しはじめていることも実感していますし、もっとボーダーレスに、いろんな要素や引き出しを増やしている人が、さらに面白い音楽を作っていく未来になるのではないかと思います。私たちも常に挑戦し続けていきたいです」